摘要：民族聲樂是運用民族語言和民族審美來表現民族的音樂風格,是表達風格各異、流派眾多的民族情感的一種藝術形式,是在我國民間歌曲、地方戲、曲藝說唱等傳流唱法的基礎上發展起來的。本文就民族聲樂歌唱藝術觀念、聲樂教學心理規律、教學方法以及訓練手段等規律進行探討。

　　關鍵詞：音樂創作期刊征稿,核心期刊論文發表,民族聲樂,漸進性教學,思考

　　一、初始:從聲樂的基本功入手,進行基礎訓練

　　聲樂的基本功主要包括發聲原理的掌握、共鳴腔的運用,以及咬字吐字等。發聲原理是聲帶在氣流的沖擊下產生震動,聲帶震動所發出聲音經過胸腔、咽腔、口腔、鼻腔、頭腔的共鳴,便發出響亮和動聽的聲音。

　　正確的發聲訓練方法有:第一,用聞花式吸氣、數拍或吹蠟燭的方法,或者用“打哈欠”時氣息回流的感覺來引導學生,還要注意觀察學生在吸氣時是否過僵、過滿。氣息的支點越低音色就會越圓潤,“豎著唱”和“靠后唱”實際上就是引導學生往后支點上靠,這樣音色更加富有立體感和金屬性。第二,穩定喉頭。人體的發音器官——喉,像一個小匣子,裝著兩條發聲的音弦——聲帶,喉結穩定地降低在低喉位置,使聲帶始終處于拉緊的狀態下工作,這種狀態即聲帶拉緊閉合狀態。應該讓學生體會“貼著咽壁吸著唱”的感覺。

　　還要注意觀察學生是否摳下巴、緊牙關等問題。第三,歌唱的共鳴訓練。發聲共鳴是一個整體的系統的過程,完全孤立地使用某個共鳴腔是不可能獲得最佳音色的。要教會學生將日常生活中耳濡目染的一些動作或感覺在歌唱中加以恰當、合理的運用。胸腔共鳴包括氣管、支氣管。在歌唱時用手撫摸胸部會有明顯的振動感。打開喉嚨歌唱很多人都知道,但具體怎么打,打多大?教師必須具體引導學生去做�？梢宰寣W生去體驗“閉著嘴巴打哈欠”的訓練方法,這樣鼻腔與咽腔就不會打得過大,避免口腔過韁,聲音發虛,暗淡。

　　咬字吐字是民歌中的一大重點內容。所謂“字正腔圓”,字正:欲使字正須正五音,準回呼,宜四聲;腔圓:聲音圓潤動聽、腔調婉轉優美。概括為字頭咬要重,字腹吐音要圓,字尾收韻要輕。在教學訓練最初階段,常發現一些學員有“吸不進氣”的現象,原因可能是由于局部肌肉過份用力,呼氣肌肉壁在歌唱時過份緊張造成的。針對性的練習曲不必使用過繁過多:(1)13 51 53 1 連續兩遍用“0”母音和“i”母音來帶,主要是為了氣息連貫。大擴度的練習容易使每個音區的位置統一;(2)跳音練習13 53 1,小腹肌肉收縮,增強彈跳力;(3)長音練習5.4 32 1,這條練聲曲要求氣息流暢,到達位置后迅速爆發,在腔體內延長。除了掌握運用咬字發聲器官使語音準確之外,還要學會對語調、語態的變化控制。一般可以從學習詩詞朗誦入手,掌握詩詞的語言重音和邏輯重音,把握好作品的情感基調和內容格調等,這是達到以字引氣、以字帶聲的最佳途徑。

　　二、過渡:引導學生盡快跳出“不自然”階段

　　聲樂的學習一般分為三個階段,即從“自然”到“不自然”再到“自然”。初學者在“不自然”階段狀態下,教師一旦指出不足之處,學生唱起來就會覺得別扭,原來感覺唱得很順的似乎反而變得吃力,真假聲“打架”,聲音“里進外出”,連一首小歌曲都難于勝任。這時教師要胸有成竹、滿懷信心,讓學生盡可能在短時間內走出這種“不自然”階段。在民歌學習過程中,有些學生在通過聽光碟和媒體的形式學習聲樂的過程中,認為民族唱法就是細嗓子,聲音很尖、很亮,以為只有這種聲音才能表達民族風格和特色。這是一種極大的誤解。教師要善于發現學生是否進入這一誤區,并及時給予正確的指導。我國古代唱論中有言:“歌者不期于利聲而貴在中節”。如果我們一味地追求亮嗓音,只能使聲樂教學走上期求“利聲”而忽略“中節”的歧途,易犯喉頭過緊、過于用力、下巴緊張、單純用口腔等毛病,造成聲音“扁”、“咧”、“緊”。這樣,既不利于民族聲樂的發展,也不利于歌唱藝術的普及與傳播。有經驗的教師對存在的問題看得準,采取的解決方法正確,很快就能得到提高。不過,人們常言“師傅領進門,修行在個人”,如果有的學生長期處于不自然階段,問題無法得到解決,就得考慮是否教法過于單一、機械,或是雙方配合不好的問題了。另外,為了達到歌唱“音出自然”,教師從一開始就要強調風格、韻味、統一等因素的作用,如果只顧埋頭于發聲技術,演唱起來就會失去聲樂應有的風格、神韻和靈魂。

　　三、發現:挖掘學生特點并嘗試實現個性化演唱

　　民歌教學中,每位老師都有自己獨特的教學經驗與方法。“仁者樂山,智者樂水”,無論采取什么方法,只要在演唱實踐中能得到觀眾的接受和認可,能經得起時間的考驗,就證明其教學方法是對的。我國著名民族音樂家田青曾嚴正指出:“現代化對民間歌曲的沖擊比十年浩劫還要大,中華民族文化從沒有像今天這樣面臨著危險。”筆者素來提倡演唱風格、音色個性化,反對冠以“科學發聲”而變成“千人一腔”的模仿、克隆的教學方法;主張采用多樣化啟發式教學,力求做到因材施教,將日常生活中耳濡目染的一些動作或感覺在聲音練習中加以恰當、合理的運用,根據不同的嗓音條件來演繹不同風格的歌曲。作為一名聲樂教師,應當具備良好的聽覺和善于辨別聲音好壞的能力,對好的聲音要及時給予肯定和鼓勵,千萬不能“全盤否定”或者“朝令夕改”,沒有準確而系統的理論依據只會造成學生思維的被打亂。

　　對初學者,應當循序漸進,要讓他們充滿自信,取消顧慮,克服在學習中的不良情緒。另外,要讓學生學會自主學習,方法是抽象的,感覺是具體的。沒有老師的情況下,也能辨別自己的聲音是否正確,運用自己的“內聽覺”去監聽,調整歌唱器官的發聲動作向平衡狀態完善。歌唱家李雙江在一次“青歌賽”仼評委時看到一個少數民族原生態組合演唱后,感慨地對她們說:“我們對不起你們啊!”這一畫面讓我感到非常震憾:一方面是權威的名家如此襟懷博大,為一直被埋沒的優秀民族聲樂(原生態)至今才“露臉”感到慚愧與自咎;另一方面是“青歌賽”的組織者包括某些有良知的音樂家及音樂工作者,如果不及時發現、挖掘甚至搶救,全國觀眾怎能知曉世上還有這么美妙的天籟之音竟然流傳在我們的華夏大地上呢?可見,民族聲樂藝術的多樣化多么重要,而這個“多樣化”的實現,也包括依靠我們廣大的民族聲樂教育者的努力與付出。

　　四、提升:在具體歌曲演唱中實現民族性和藝術性的統一

　　由于我國地域寬廣、民族眾多,各地各民族的風土人情、演唱內容均不相同,形成了絢麗多彩的演唱風格,有的熱情奔放,有的委婉深情。北方的歌高亢明快,如《牧歌》、《沂蒙山,我的娘親親》;南方曲調委婉甜美,如《蘆花》、《又唱瀏陽河》等。歌曲藝術是歌唱家把自己對歌詞和音樂的理解用優美的嗓音表達出來的。所謂“情”美,就是演唱者要做到深情、有真摯感。“情”是一切的基本出發點。在具體的演唱過程中,很多學生只顧著想聲音的位置而忽略了要表達的情感。教師要注意提示“以情帶聲”、“聲情并茂”。

　　比如,演唱《二月里見罷到如今》,歌曲風格是委婉深情的。首先,演唱者眼前要閃出流動的畫面,要流露出對情哥哥那種強烈的依戀情感。接著第二樂段轉調,這時眼前的畫面是:仿佛看見“遠處”有一個人,想象中就是那個日夜思念的人。這時情緒上要稍微有變化,既激動又祈盼,既焦急又無奈。第三樂段反復再現(即回到原來),其表情是:還是沒有見到情哥哥,但必須依舊耐心地等待。演唱時要從眼神、肢體語言中透出一種“心病”的情結,才能更好地帶動聲音達到聲情并茂的效果。

　　我國民族聲樂藝術提高的方向就是技術和藝術的結合,就是深刻的思想性與盡善盡美的形式相結合,就是發聲技術的不斷科學化和充分表達我們精神的時代相結合。引導學生歌唱,不能只簡單地教會發音或學會一首歌曲,更要重視在科學的整體方法上進行漸進性引導和訓練。

　　嗓音的運用也是多種多樣的,教師要善于引導學生理解作品的背景、風格、特色、情感及民族的審美習慣等,還要結合其他課程如文史、美術等的學習,還要深入實際生活,才能不斷提高對音樂作品的理解能力和情感的表現力。教與學是一個整體配合的過程,我們應當對各種教法中的優點兼收并蓄,相得益彰,以求得教學水平的不斷提高,造就出更多、更好的深受聽眾喜愛的歌唱新人。